La interconexión entre la luz y cualquier otro objeto material es bastante obvia, en el sentido de que, ya sea que lo entendamos o no, cómo la luz "afecta" a estos objetos determina cómo se ven. La conexión entre la luz y el sonido no está tan predeterminada, pero no es menos, y a veces más, influyente en la definición del concepto de la partitura de iluminación.
Un ejemplo de esto es la enorme popularidad de los espectáculos de música y luz en diferentes períodos de la historia, desde A.Y. Scriabin hasta el popular músico francés Didier Marouani en Rusia: estos son intentos de demostrar creativamente la síntesis de luz y música.
No discutiremos las obras de científicos y músicos cuyas obras están dedicadas a encontrar regularidades técnicas para traducir música en composiciones de luz y color.
En diferentes períodos de la historia, se propusieron varios conceptos exóticos, incluyendo los últimos desarrollos del profesor V.V. Afanasyev de San Petersburgo sobre la traducción "matemática" de la música en luz, pero la obvia subjetividad de traducir música en luz y color es poco probable que nos dé una clave inequívoca.
Se sabe que incluso compositores como A.Y. Scriabin y N.A. Rimsky-Korsakov "veían" colores en la música de manera diferente.
No solo la música, que indudablemente influye en la partitura de iluminación de una ópera, musical, ballet o concierto de rock, sino también otros sonidos (efectos de sonido) pueden influir decisivamente en la partitura de iluminación de un espectáculo y requerir cambios correspondientes en la iluminación.
El sonido de una puerta que se cierra de golpe, un vidrio que se rompe, el ruido de un tren o el comienzo de la lluvia exigen un cambio en la iluminación, al igual que un cambio en el tema de una pieza musical.
El público siempre asume una conexión estrecha entre el sonido y los cambios de luz, incluso si esta conexión no es obvia. Puedes comprobarlo fácilmente creando una semblanza de un espectáculo de "luz y música".
Crea una secuencia de posiciones de iluminación en el espacio del escenario, variando diferentes propiedades: cambiando color, ángulo de iluminación, brillo, contraste, velocidad y ritmo de cambio de posiciones. Luego simplemente graba tu secuencia en un ordenador en modo de reproducción automática para que tu "espectáculo" pueda repetirse idénticamente varias veces.
Una vez que hagas esto, intenta reproducir tu secuencia mientras tocas diferentes fragmentos musicales con diferentes tempos y estados de ánimo.
Como resultado, notarás que en todos tus fragmentos musicales, cuando los cambios de luz y sonido coinciden, surge un interesante resonancia indudablemente, pero incluso cuando el carácter de la iluminación "rompe" el estado de ánimo o la estructura de la música, la resultante "disonancia" hace que la música sea más interesante en no menor medida.
En algunos casos, tal desarmonía de la "lucha" entre luz y sonido puede proporcionar un buen efecto dramático tenso que puede ser usado en algún momento especial de la acción.
Pero en general, el diseñador de iluminación siempre se esfuerza por un "paralelismo" coordinado de luz y sonido—específicamente resaltando la estructura y el ánimo de la partitura musical; algunos cambios en la música se convierten en una base motivada para cambios en la iluminación. Los cambios "accidentales" y no motivados en la iluminación son aceptables solo en casos especiales cuando la tarea es atraer la atención de la audiencia de una manera particular.
Generalmente, en los espectáculos, la luz y el sonido trabajan juntos y, junto con otros componentes del espectáculo, forman la reacción correspondiente (ánimo) del público.
En la mayoría de los casos, la música utilizada en el espectáculo, siendo la base, establece el estilo del espectáculo, aportando cierta "dramaturgia" a este. Los cambios dentro de la música impulsan cambios en otros componentes del espectáculo correspondientes a la composición musical.
Hablando de ballet, por ejemplo, es precisamente la música la que, más que nada, motiva los movimientos, la coreografía, y por lo tanto es la principal motivación para la iluminación también.
En espectáculos dramáticos, ópera o musicales que se representan de manera realista, un aria o canción generalmente se distancia estilísticamente; los cambios en la iluminación en ese momento justificadamente enfatizan los principales cambios de ánimo en la música.
De hecho, en la mayoría de los casos, es una necesidad orgánica para musicales y espectáculos dramáticos resaltar canciones del flujo de la acción principal; un ejemplo son las "canciones" en las obras de Bertolt Brecht. Resaltar, concentrar la atención del público en la interpretación de la canción, a veces no es suficiente sin un "acompañamiento" especial mediante luz. Puede ser difícil para el intérprete "vender" la canción al público.
La compleja iluminación dinámica de los conciertos de rock ha evolucionado hacia la complejidad precisamente porque los músicos se dan cuenta de cuánto la iluminación puede provocar emociones y mejorar el impacto de la música. No es un secreto que el uso intensivo y hábil de efectos de iluminación puede ayudar a "vender" una canción mediocre como una buena.
Para los músicos de rock, incluso es una cuestión de orgullo competitivo—cuántos contenedores de equipo de iluminación se usan en el espectáculo.
Usualmente, la iluminación trata de enfatizar, realzar los ánimos en la música, tratando de encontrar alguna iluminación estimulante que provoque la misma reacción del público como se pretende en la música misma.
Un gran número de canciones en un espectáculo musical están dispuestas no por casualidad. El desarrollo regular (o planificado) de la tensión emocional de un número a otro es muy importante, por lo que los mismos requisitos se aplican a la iluminación: el mismo esquema de construcción, correspondencia de color, brillo, dinámica.
A menudo, el diseñador de iluminación planea cambios en la iluminación entre las estrofas de una canción, lo cual es probablemente correcto, pero es muy importante no perder las transiciones vocales, los cambios de ritmo, la introducción de nuevas voces e instrumentos, y especialmente las inserciones de baile en el número deben reflejarse.
La mayoría de las canciones incrustadas en la acción dramática utilizan la antigua solución tradicional. El personaje avanza desde sus compañeros, el resto del conjunto se congela o juega en un espacio atenuado. El enfoque del brillo de la iluminación se desplaza hacia el solista que canta, el espacio restante "oscurece" o se ilumina con un color contrastante.
A veces se crea un segundo foco de atención en el personaje que es el "destinatario," al que se le canta la canción. Los dúos, tríos y cuartetos pueden resolverse introduciendo diferentes puntos para cada personaje o incluso sistemas de iluminación completamente diferentes en calidad.
No quiero repetir la interminable cantidad de clichés desarrollados por la práctica a lo largo de muchos años.
Me gustaría aconsejar abordar la iluminación de los números musicales con la misma minuciosidad con la que trabajas en todo el espectáculo.
Después de todo, en general, un número musical, canción o aria es una miniatura de espectáculo construida y desarrollada de acuerdo a las mismas leyes.
Es importante dedicar suficiente tiempo a esta parte del espectáculo ("espectáculo dentro de un espectáculo"), observando el importante principio de "unidad" tanto a nivel de la parte como del todo.
La interdependencia emocional de sonido y luz (color) es tan estrecha y obvia que los innumerables intentos a lo largo de los años de encontrar un algoritmo preciso e inequívoco para la transformación, una correspondencia inequívoca de un cierto color a cada sonido, son bastante comprensibles.
Si tuviera que dar un resumen breve de estos intentos y los resultados de la investigación de varios científicos y músicos, tal resumen podría ser interminable.
La búsqueda de un algoritmo de correspondencia entre sonido y color siempre ha existido, impulsada principalmente por el eterno deseo de la humanidad de encontrar "armonía universal"; estas búsquedas fueron más populares a mediados y finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Podemos enumerar muchos nombres: Scriabin, Rimsky-Korsakov, Malevich, Chagall, y muchos, muchos otros... Es importante notar que, a pesar de la similitud de enfoque y la identidad del propósito, todas esas obras se basaron en la subjetividad de los autores. Y si imaginamos que algún día alguien encontrará ese algoritmo técnicamente correcto de correspondencia entre luz y sonido, me parece que en ese momento, el diseño de iluminación dejaría de ser un objeto de arte.
Es precisamente la subjetividad de la interpretación del artista y la percepción del público lo que da vida a tal diversidad de formas artísticas y a los resultados de su "dominio" por parte del público.
Por lo tanto, al leer y analizar la partitura musical de una obra, el diseñador de iluminación debe ser muy sensible a las emociones que la música evoca en su percepción y encontrar tales técnicas y cualidades de iluminación que puedan estimular emociones adecuadas en la percepción del público.
La investigación en la psicología de la percepción ofrece algunas claves que permiten, de una forma aproximada, determinar direcciones en la búsqueda de soluciones específicas.
Por ejemplo, se sabe que el espectador asocia los sonidos bajos con colores más saturados, brillantes y cálidos ubicados en el medio del espectro, y los sonidos altos con colores fríos y más puros. Volveremos a estos patrones más adelante al analizar las características de la percepción psicofisiológica.
El diseñador de iluminación, escuchando la música, leyendo la partitura de la obra musical, debe acercarse al análisis de la partitura musical del espectáculo con la misma minuciosidad con la que realiza el análisis dramático de la obra.
Aquí, se pueden trazar muchos paralelismos; esencialmente: en la música, la aparición de un nuevo tema es similar a la aparición de un nuevo personaje en un drama; el desarrollo de temas y personajes, el ánimo, los conflictos son igualmente inherentes tanto al drama como a la estructura de la partitura musical, al igual que el ritmo y el tempo.
Es bastante común que los cambios en la iluminación ocurran dependiendo de los cambios que suceden en la música, y la duración de las escenas de iluminación es determinada por la duración del fragmento musical; en cualquier caso, la precisión de colocar las transiciones de iluminación, sus características temporales, la adecuación de la tonalidad y el ánimo, muestran en qué medida se comprende el componente musical del espectáculo.
Por supuesto, es una gran fortuna cuando hay una oportunidad de discutir las características de la partitura con el compositor, impregnarse de su comprensión, comparar su interpretación con las propias conclusiones.
En cualquier caso, el compositor, director de orquesta, director artístico—estas son las personas que pueden ayudar a encontrar técnicas de iluminación relacionadas con la interpretación musical del espectáculo.
